Rock, Paper, Shotgun es el descubrimiento de la semana. Un blog sobre juegos de PC escrito por varios reviewers profesionales de videojuegos en su tiempo libre, hablando de tanto juegos mainstream como juegos indies, y algun otro articulo más. Ya descubri via ellos un par de pequeños mini-juegos geniales (que despues postearé). Por ahora pueden ver este genial articulo sobre The Sims y el Sexo.

Los Chicles - Grandes Fracasos.

Ya van a cumplirse cinco años de la separación de Los Chicles y pareciera que este año tendremos disco nuevo de Patricio García, uno de los principales compositores, cantante y guitarrista de Los Chicles. El disco se va a llamar “Dios Me Dijo Que Ponga La Bomba”, Pato esta acompañado por los Monoambiente y, por los demos que escuché, son versiones increíbles de los temas que Pato compuso desde el 2003 hasta ahora, que nunca habían visto la luz. Además de sonar de puta madre, hay una madurez y cambio en las letras y composición de Pato que, bueno, son solo acordes con un hombre que acaba de casarse.
Todo esto (y el hecho de que nunca los había mencionado acá) me puso a pensar en lo lejanos que se sienten Los Chicles. Hace un par de años un amigo me dijo “se están comenzando a componer las primeras grandes canciones post-Chicles en Tucumán”. Hoy en día se puede decir que las voces están completamente desarrolladas: el último disco del Monoambiente permite que 6 o 7 compositores distintos tengan sus momentos y la diferencia, madurez y particularidad de cada voz brilla. Es un lugar común (para mi) decir que son los “New Pornographers tucumanos” pero es la comparación mas cercana que encuentro. Composición colectiva, ¿hay algo mas pop que eso?
Y además del Monoambiente esta el disco nuevo de Diosque, y lo bien que esta sonando Klemm en vivo (y el enorme cantante que es el Chueco Ferrer) y los primeros recitales de los Michael Stuart que me conmovieron hasta los huesos…En fin, buenos tiempos para escuchar a gente única haciendo música.
Y, sin embargo, la inminencia del disco de Patricio (visiten a su productor, el ingeniero Palacio, escuchen sus canciones y pídanle que lo termine) me retrajo a Los Chicles y a una charla que tuve con Pato hace ya muchos años, en la que me contaba que quería armar un compilado de “grandes éxitos” para mandar a distintas discográficas de Buenos Aires a ver si se lo editaban. En clásica tradición chiclista, el disco se iba a llamar “Grandes Fracasos”. El disco nunca salio, pero por ahí hay una playlist armada con las canciones. En esta ocasión, me apropié del nombre y armé un compilado propio, con lo que creo que son las mejores canciones de Los Chicles y si no te engancha al menos una, no tenés corazón. Espero que a Pato no le moleste que le robe el nombre.
De cualquier manera no hay que engañarse, lo que hay aquí son triunfos, joyas, que en un mundo mas justo habrían logrado que las muchachas los persigan enloquecidas por la calle, rasgando sus ropas.

De “Argh! Burp! Prr!” (1997)

01. El Monkey Monkey: ¿como no enamorarse de una banda que comienza su primer disco con una canción tan descaradamente pegajosa? Como una especie de mezcla de un grupo de los años 50 tocando twist y montón de vagos en un garage intentando afinar sus guitarras, esta canción no desencajaría en la discografía de ningún grupo under norteamericano de los años 80 pervirtiendo a los inocentes 50.

02. Azul: una pequeña joya que descubrí armando el disco. Una balada con toques electrónicos que se parece a algunos de los experimentos de Blur en esa época, pero que también suena como My Bloody Valentine si en vez de estar angustiados, descubriesen los días de verano. Y que luego de un cuelgue con cintas pasadas al revés y somnolencia, revive con una de las guitarras mas brillantes que escuche en mucho tiempo.

03. Caramelo Bang Bang: aquí se observa una de las obsesiones de los Chicles en esta época (en la que se llamaban todavía Chiclets): la aliteración y el reemplazo, a la manera de las mas viejas canciones de rock, de las letras por solo ruidos. De alguna manera, la estupidez de repetir “bam bam” “bip bip” “bom bom” como un cavernícola potencia la sencilla y efectiva melodía de la canción y yo me la puedo imaginar en alguna fiesta beat de los años 60.

04. Bellota’s King: el otro lado que Los Chicles desarrollarían mas adelante, la canción medio punk, medio cabeza, pero siempre con una excelente melodía que suena nueva y vieja al mismo tiempo. Un modelo que perfeccionaran muchísimo (líricamente, sobre todo) en canciones como “Corriendo” o “Callejear”.

De “Dementa” (1999)

05. Desfallecer: otra vez el modelo rock cincuentero. Pero cuanta diferencia hacen dos años! No solo en cuanto a lo bien que suena la banda, lo ganchero que es el estribillo, lo buenos que son los coros, lo clásico que es el solo de guitarra. Todo tan encantador, tan feliz. También en las letras, que en esta canción describen una típica relación de amor no correspondido, pero cantado con un candor y timidez por Patricio que lo vuelve una canción adolescente absolutamente sincera. No hay nada de emo acá, solo la felicidad de estar enamorado y la fe, difusa, de que todo saldrá bien.

06. Instant Metal 01: esto es una boludez y esta incluido solo porque demuestra una de las cosas mas geniales que tenían los Chicles: el sentido del humor absurdo, quizás hasta el punto de ser tonto, pero hilarante. Y además porque las anécdotas de los Chicles siempre son geniales. La historia es así: un músico tucumano había roto el record Guinness del mayor tiempo tocando un instrumento de forma continuada, después de haber tocado la batería 24 horas, y creo que luego lo volvió a romper tocando 48 horas o algo así. Entonces a los chiflados de Los Chicles se les ocurrió intentar hacer la canción mas corta de la historia, para burlarse de ese tipo y entrar en los Guinness también. El resultado es esto: Instant Metal. Es justo lo que dice el titulo, 4 segundos del más duro metal. Obviamente se olvidaron de llamar a la gente del Guinness y nunca lo registraron. Y además, seguramente ni siquiera es la más corta :)

07. Helado De Limón: esta canción es muy rara dentro de lo que es la temática de Los Chicles, porque es una de las pocas que tienen una intención explícitamente sexual en sus letras y encima el narrador cuenta con absoluta confianza en si mismo. Si las canciones de Pato tienen algo de particular es su narrador usualmente más vulnerable o inseguro. Musicalmente, la canción es un tanto esquizofrénica, con cambios rápidos en el ritmo, ataques de guitarra y ya algún incipiente uso de maquinas. Lo cual quizás traiciona la seguridad de su narrador. Además, encierra una gran frase: “Cada vez que se que voy a verte, me parece un Viernes”.

08. Pancita: otra canción en el modelo “Azul”. Una balada, por decirle de alguna manera, completamente espacial, colgada y perezosa. Incluso utiliza aun mejor las grabaciones y ruidos psicodélicos que recuerdan tanto a algunos experimentos beatlescos. Lo curioso de este tipo de canciones durante la primera época de los Chicles es que si bien son melancólicas tienen un buen grado de esperanza y tranquilidad. En los últimos discos esta sensación seria reemplazada por una de absoluta tristeza y depresión. Como si hubiesen perdido lo twee de golpe, dejado de hacer canciones a las pancitas de chicas y comenzando a tocar con la paranoia y soledad de un junkie.



09. Podría Esperarte Por Siempre: yo siento que con esta canción se observa en Los Chicles los primeros signos de la redondez que le iban a dar a sus canciones a partir de su tercer disco. Siento que es una de las mas completas de “Dementa”, que tiene un perfecto estribillo simple y fácil de cantar, una letra que trata sobre el amor, como antes, pero mucho mejor comunicado (ya no tan cliché como antes y mucho mas idealista) y la gran incorporación de un teclado hacia el final que propulsa la canción. Sin embargo, todavía faltaba la batería de ritmos que traería Villa cuando dejasen de tocar con batería de verdad.

10. Disco Gay: esta canción es pura diversión. Los miembros de los Chicles en una época se divertían grabando canciones synth pop oscuras con el nombre de “The Drugaddicts” y aquí parecieran estar canalizando esa faceta. Un tema completamente kitsch, que sabe que lo es y que no le preocupa en lo más mínimo, solo se dedica a disfrutar. Además, es uno de los primeros con bases electrónicas, ese recurso que utilizarían a tan buen efecto de ahora en más. Los coros y la voz que dice “Let’s get into the disco gay” son impagables también. Hasta parece una canción de The Yummy Fur circa “Shoot The Ridiculant”.

De “Los Chicles” (2000)

11. Billy: sin embargo, y a pesar de todo lo bueno que venían haciendo Los Chicles, era imposible pensar que un solo año después saldrían con un disco tan terrible como este. ¿Que canciones se pueden elegir de un disco en el que TODOS SON HITS? Bueno, para comenzar, Billy, un principio increíble. La persona que se resiste a bailar (bueno, mas bien saltar) con esta canción es un reptil de V o un hombre vaina. Es increíble lo muchísimo que ganan con la adición de Villa, que pareciera que se lanza sobre las consolas como un pulpo y aumenta todas las perillas hasta que se quiebran. Y después con eso hace música. Lo más cerca de esta canción es un mastodonte desencadenado pisando pobres y estúpidos roedores.

12. Acostumbrados: Pato alguna vez me dijo que el hacia canciones inspirado en las chicas o canciones de protesta cuando se enojaba con el sistema, pero esas no le gustaban tanto. Esta canción entra en la segunda categoría. Los Chicles cantan “Ya nadie grita / levántense / porque ya / todos están acostumbrados” pero al mismo tiempo uno escucha esas guitarras que parecen sierras eléctricas, esa voz que chilla, esas bases de manija y se da cuenta que automáticamente están invalidando el mensaje anterior, que si ellos pueden chillar así entonces todavía hay esperanza y no todos se han vuelto zombies.

13. Que Se Pudra Tucumán: otra “canción de protesta”, otro himno, otra joya magnifica. Cualquiera que viva en Tucumán (o en cualquier ciudad chica, para ese caso) no puede dejar de identificarse con esta canción. La primera vez que bajan de velocidad desde que entramos a este disco, la canción se sostiene en una guitarra que logra sonar completamente punzante y melódica al mismo tiempo, como las mejores canciones punk y que imagino tocó Lazzo, el salvaje guitarrista de siempre de Los Chicles. Y la letra, que habla de cosas tan sencillas y necesarias como el hacinamiento y la falta de imaginación de lugares horribles como este, que solo se sostienen por bandas como esta, es magnifica y contrasta perfectamente los versos, en los que el narrador esta pensativo y meramente ignora la situación, y el estribillo, en el que se desencadena toda la bilis de sentirse aplastado por un ambiente aburrido y chato.

14. Azúcar y Sal: una canción de Cúneo, el bajista, piedra fundamental de Los Chicles. Es una especie de latinada deforme, rockera y electrónica al mismo tiempo, años antes de que eso se vuelva popular y que comunica con los mismos recursos escasos e invulnerables de Los Chicles (esas voces entre irónicas y comprometidas, esas guitarras distorsionadas hasta el punto del ruido, esas bases infernales) una dulzura inmensa. Nunca creí que diría esto de Los Chicles, pero esta es una canción para bailar abrazado.



15. Tardes De Té: ¿que puedo decir de Tardes de Te que no haya dicho antes? Bueno, puedo repetir que, sin lugar a dudas, es una de las mejores canciones de la historia del rock. Uno de esos momentos únicos en la música en la que tres minutos se insertan en nuestras vidas y nos hablan como al oído. Podría repetir que la manera en que manejan el imaginario del aburrimiento y la completa rutina de la vida moderna es magistral. Podría intentar convencerlos de que el “te” no es exactamente eso y que confirma mi idea de que “people need good dope to get through modern life”. Pero lo mejor que pueden hacer es escucharla y deslumbrarse.

De “En Vivo. 26 / 10 / 2001”

16. Corriendo: algo que era muy importante de esta banda (y que yo no aprecié tanto como me hubiese gustado) eran los recitales en vivo. Pocos grupos transmitían una energía similar a los Chicles y hay anécdotas de recitales catastróficos que terminaban con Lazzo acoplando y Pato tocando incoherencias en un tecladito. Yo no vi esos, pero si tuve la oportunidad de escuchar este, uno de los mejores, donde sonaron mas ajustados que nunca. Esta versión de “Corriendo” (otro tema excelente de su tercer disco) comprueba no solo lo emotivos que podían ser en vivo, sino lo ruidosos. Puro chirrido de guitarra mugrosa para comunicar, como a los golpes, la desesperación de estar incomunicado con alguien. Siempre pensé que seria la banda sonora perfecta para esa escena de película romántica en la que el protagonista masculino corre por las calles de alguna ciudad a encontrarse con su amada.

De “En Acústico en Rock And Pop" (2002)

17. Canción De Lo Irreparable: esta es sin duda la canción mas descarnada del tercer disco, una oda a la culpa y la auto-deprecación que, como dice Pato al principio, muy pocas veces tocaron en vivo. Esta versión, muy despojada, transmite perfectamente esa sensación de impotencia y revela unos Chicles ya abocados a componer no solo hits saltables sino también momentos verdaderamente desgarradores. Y la voz de Pato demuestra que no es que cante mal, sino que es uno de los cantantes más frágiles y expresivos de Tucumán.

18. Colgación: una canción bien de entrecasa, que celebra la felicidad de “colgarse” con los amigos y no hacer nada en serio. Perdida, nunca llego a estar ni siquiera grabada para el disco doble abortado, es una hermosa melodía que refleja el ánimo relajado que transmite la letra. La letra, por su parte, es otro de esos aciertos cotidianos de Los Chicles, hablándonos con referencias que tienen sentido para quienes los conocen, pero que al mismo tiempo son símbolo de algo mas amplio y universal: los amigos, la pereza de los días todos iguales, el oasis de estar encerrado con gente que uno quiere charlando de cualquier cosa durante horas.

De el Disco Doble que nunca editaron.

19. Callejear: para este disco, que lamentablemente nunca editaron, ya eran unos profesionales en el arte de componer himnos dignos de ser cantados por la juventud del mundo entero. Lo genial es que el disco demuestra una verdadera madurez en cuanto a mezclar ese tipo de canciones con otras más sutiles pero no por eso menos hermosas (hay una canción como “Una Película Francesa”, que casi es solo piano y es tremendamente conmovedora). “Callejear”, sin embargo, sigue el modelo de “Billy”, pero con una temática decididamente hedonista: el narrador todo lo que quiere es salir a dar vueltas por la calle y no tener responsabilidades. Quizás por eso es que es tan liberador bailarla borracho.

20. Operador: otra canción que creo le pertenece a Cúneo, este tema es una prueba del rango estilístico que tenían Los Chicles en esta época. Capaz de sonar como una versión dark del Charly García de los ochenta, ¡pero de una buena manera!, con resabios de “Nightclubbing” y como algo a la vez únicamente Chicles. Oscuro, caótico y lleno de sonidos que parecen ser la noche misma. Lo cual es solamente apropiado para una canción que repite “Ponga ese tema / ponga ese tema / operador”, como un borracho molesto en un antro oscuro.

21. Depresión Anal: esta canción ya es un pastiche de Charly García de los ochenta, pero con la “tongue firmly in cheek” y una letra y un titulo que no pueden ser mas que una burla. Además, hay una historia genial detrás de la canción. Es de Cúneo y se rumorea que esta dedicada a Lazzo, que en aquella época pertenecía a Los Chicles de forma intermitente. Por ignorancia no puedo decir mucho mas, pero ¿que se puede inferir de una canción que dice “si la policía / te anda buscando / no vayas a mi casa / sabes / esta todo muy mal aquí”?



22. Superando Nada: la canción mas triste que escribieron alguna vez Los Chicles. Así de sencillo. Sobre una base de ruidos repetitivos, Patricio canta cosas como “Ya probé con las religiones / Y probé con las sustancias / Pero no estoy superando nada”. Y así, de manera cada vez más angustiosa durante los 3 minutos que dura la canción. Recuerdo que cuando la descubrí, durante un verano particularmente depresivo (como casi todos los veranos de mi vida) esta canción se volvió una especie de delicioso caramelo de cianuro, algo que comía incesantemente a pesar de que sabía que era malo para mí. Enormes puntos, además, por ese ultimo acto supremo de auto-burla que es poner una voz que dice “¡Vamos todos!” justo antes del ultimo estribillo.

23. Yendo A Pegar: comenzamos a levantar para el final. Bucólica canción sobre los placeres de adquirir drogas, enmascarada con una letra tan ambigua y completamente ridícula que uno tiene que maravillarse ante su sentido del humor. ¿Como hacían para conseguir una canción que es a la vez cómica y melancólica? No se ustedes, pero los colchones de guitarras, el cansancio de la voz, a mi me traen a la cabeza la angustia del sábado a la tarde, cuando comienza a anochecer y todavía es muy temprano para salir.

24. Buenos Aires: en otra demostración del nivel altísimo de composición en el que se movían a esta altura, “Buenos Aires” es una canción como “Disco Gay” pero pulida hasta el 200%. Y que seguramente compusieron sin tener la más puta idea de lo que era la “indietronica”. Guitarras mínimas; las mismas bases de Villa que antes quemaban cabezas reducidas a acompañar con beats precisos y hasta tímidos, una voz resignada. Todo completado con una letra que dice cosas como “en Buenos Aires esta todo, man / en Buenos Aires no tengo donde parar” y uno no puede entender si es un deseo sincero, una burla a la desesperación de pueblerino o la mera aceptación, melancólica y resignada, de que todos tenemos que irnos algún día.

25. Pibes Tristes: el otro día mientras escuchaba esta canción no puede evitar maravillarme ante la manera en que Los Chicles lograban, a esta altura, un tema que se llamaba “Pibes Tristes”, cuyo narrador repite en su estribillo que quiere estar muerto y que suene tan…no se…sobrehumano quizás es la palabra. Esperanzador. Hermoso. Bailable. Genial. Y, asimismo, como puede ser que me haya tomado tanto tiempo descubrirla. Descubrir una frase como “Estas estacionado en un momento / como una manta raya”. Lo cual solo habla de lo criminal que es que una banda como esta no sea mas conocida, que la gente no venere sus canciones, que por una injusticia geográfica mas personas no tenga la oportunidad de descubrir lo que todos nosotros sabemos desde hace años: que a veces Los Chicles son una ventana a un mundo mejor y mas bello. Que a través de su música uno vislumbra una energía demasiado pura para seguir siendo ignorada. Que a un pequeño grupo de gente le cambiaron la vida y ya va siendo tiempo que eso se extienda. Y que eran unos putos genios.

Los Chicles - Grandes Fracasos

El Baile Moderno Time Machine!

The Jesus and Mary Chain, 'In a Hole', en vivo, 1985. Punk-as-fuck!


The Jesus and Mary Chain, 'Happy when it rains', videoclip, 1987.


The Jesus and Mary Chain, en algun show hilarantemente noventoso, tocando 'Reverence', 1992.



The Jesus and Mary Chain, en David Letterman, en 1992.
(vean por favor a ese bajista!!)


9 años despues, The Jesus and Mary Chain, en David Letterman (tema nuevo), 2007.
(pueden notar como Jim Reid se mantiene más que bien mientras que.. William.. oh dios)

WTF?

Literatura Dibujada, Links, Lujuria, Cthulhu, Negros.

1) Hey Oscar Wilde! It's clobberin' time! no solo tiene uno de los mejores títulos de blog de la historia, sino que además es una pagina muy adictiva en la que se reúnen dibujos de distintos artistas de comic haciendo versiones de su escritor o personaje literario favorito. La versión de Bukowski por Jason es impagable.



2) The Family Circus es una serie completamente odiosa e intrascendente sobre una familia normal. Un poco como los dibujos de Dobal o Marmaduke, provee el humor más inocente, blando y aburrido. ¿Pero que pasa si cruzamos The Family Circus con Lovecraft?. Bueno, The Cthulhu Circus, donde los niños discuten sobre horrores inmemoriales y monstruos viscosos.



3) Un montón de mujeres que trabajan en la industria de la animación se reunió y formo "Girls Drawing Girls" donde hacen dibujos de pin-ups atípicas. Lastima que las imágenes estén en Flash y no se puedan guardar :)

4) Hey, niños! The Black Panther Coloring Book! Aprendan a reconocer a los cerdos! Sientanse protegidos por Huey P. Newton! Descubran la historia de su raza, desde los tiempos de África!. Pura incorrección política y furia revolucionaria.

Este es el Bill Murray que salia de parranda con John Belushi!!.

25 ediciones extranjeras de 'on the road' de kerouac.
(via)

Algunas observaciones sobre el Indie en los 00s

(Este chorizo de post puede considerarse como una semi-respuesta - y sale de una conversación con mvc - del post 'Mi espacio'(*) de killyourtaste)
* En la historia, llamémosla, de la música pop desde los 50s en adelante, la evolución de las bandas y la historia de la música, la podríamos visualizar como un cono que cada vez se hace mas grande, donde se extienden los estilos y los géneros musicales desde su vértice (que seria un hipotético grupo de primeras bandas compositores de canciones, pop, rock, folk y blues).
* En los 80s, surgió lo que se llamaba, en esa época, Rock Alternativo, que luego se llamo 'Indie' (por, bueno, los sellos independientes :P ), con las bandas que ya todos conocemos, luego, en los 90s, apareció Nirvana, y las discográficas convirtieron el Rock Alternativo en algo diferente al 'Indie', agregándole un sonido mas definido, rockero, etc. El 'Indie' siguió siendo un mejunje de bandas que sin algunas categorías no eran en si muy reunibles (encuentren parecidos entre guided by voices, yo la tengo, y belle and sebastian, y me dicen).
* Siempre que ocurre un género de música, o mejor dicho, una pequeña corriente, no falta mucho para que se arme una visión licuada de eso, agarrando quizás los elementos mas obvios e ignorando la esencia mas importante. Eso no significa que las bandas que arman algo licuado carezcan totalmente de valor, ya que lo que crean no habría sido posible en un periodo anterior.
Por ejemplo, podemos decir que Franz Ferdinand es un refrito imposible de Orange Juice y Josef K con Pulp. Y estaríamos en lo cierto, y se puede decir despectivamente 'aaah esta banda de mierda es solo un rejunte de bla bla', pero obviamente, lo suyo es válido. La misma reducción se puede hacer para otras cosas. Franz Ferdinando es distinto a las otras bandas simplemente por su situación y por haberlas escuchado - el resultado ya va a ser - y es - diferente.
* La cuestión es que a finales de los 90s el Indie se convirtió en el Indie*, o sea, en lo mismo, pero en un género, una formula. Uno puede hacer un tema 'indie', escuchando bastante las bandas nuevas y dándose cuenta de algunas detalles, en la estructura de los temas, utilizan de arreglos, formas de cantarlo, las letras, etc. Ejemplo nro1: Death Cab for Cutie. Ejemplo nro2: cualquiera de las nuevas bandas nu-belle and sebastian (handsome boy modelling school, maths and physics club, the electric pop group, etc, etc).
* O sea, vamo arriba. ¿Leyeron alguna vez la letra de 'the state that i am in' de Belle and Sebastian? NO ES UNA BANDA FELIZ. ¡Esa es la gracia! El encanto de belle es que puedan hacer esa música y tener letras bastante duras sobre situaciones difíciles y completamente realistas. Y no desde un punto irónico, sino de una forma reflexiva sobre las situaciones. Eso es lo mejor que tienen, y los que muchos se olvidan. Rescataría a Camera Obscura (que mantienen la misma idea lírica), Butcher Boy (versión oscura, amarga de ello con muy buena instrumentación) y Acid House Kings (agarrando el Chamber Pop y convirtiéndolo en algo tan, tan, tan pulcro e higiénico que da miedo).

* Como dije con mi 'teoría del cono' (TM), podemos elegir una banda importante X y ver como de ahí salen varias bandas y corrientes, y así como del indie de los 80s se expandió en los 90s a mas cosas, y a aún más cosas en los 00s (y lo mismo con otros géneros, agarremos no se, al dance primitivo de los 80s y en la horrorosa telaraña de géneros en que se convirtió 15 años después la música electrónica). De la misma forma, con la música mainstream también ocurre, y el mainstream al mismo tiempo también crece y se empieza a homogenizar con otras cosas.
* Entonces ocurren dos cosas opuestas. Una, estilos un poco mas oscuros se pasteurizan a mas no poder y se vuelven asequibles comercialmente (quien diría en los 80s que algo similar al hardcore-punk tendría su popularidad en el emo de ahora?). Segundo, y es lo más interesante, artistas con definitiva arista 'comercial', al ampliarse al mercado, pueden dedicarse a hacer algo además de un producto sea atractivo artísticamente o digamos, altamente disfrutable. Tenemos a grupos como Lo-fi-fnk, Daft Punk (del discovery, ponele), o los mencionados Rooney o incluso Franz Ferdinand (si, los defiendo con una espadita de esas chiquitas) hacen algo decididamente 'para pegarla' y eso no implica que lo que hagan sea varias veces mucho mejor y hasta auténtico que las supuestas bandas indie autenticas.
* En si, mi definición favorita del indie (que tendría que llamarse, realmente, alternativo, si lo alternativo ya no fuese alternativo) de los 90s era esta: canciones pop, sencillas, pero que siempre tenían algo que se iba demasiado de la raya para ser mainstream, por ser demasiado crípticos, demasiado inocentes, demasiado violentos, demasiado podridos y despreocupados, demasiado sloppys, demasiado fracturados y complicados en su forma de componer, demasiado anticuados, etc, etc, etc. Eso ocurre con las bandas indies actuales? ¿las que tienen gorriones en las tapas y colores pasteles y nombres largos? No. Son suaves, pero el mainstream normal se amplio lo suficiente para aceptarlo, y no son lo suficientemente arriesgados como para que PASE ALGO.
* Se supone que un tipo de post así tiene que terminar con unas cuantas recomendaciones de otras cosas que se pueden escuchar. Siempre hay miles de bandas para escuchar geniales, nuevas y viejas. Si en las nuevas no aparece haber nada nuevo, dentro de unos años se encontraran. Siempre se puede volver a las raíces y hay toneladas de pop en los 60s 70s y 80s para escuchar apenas desprejuiciándose un poquito. Y sino hay treinta mil géneros distintos para apreciar y disfrutar a los que uno no les entro.
* El disco de Times New Vikings Los Deerhunter podrían tomar un camino muy interesante , depende de que decidan hacer. parece ser fresquísimo y muy divertido a las primeras escuchas y a cualquier fan de beat happening / moldy peaches y punk más mugriento le puede interesar. En el otro espectro, lo-fi-fnk hacen un synth-pop-funk prolijísimo, genialmente gay y muy adictivo - aunque los videos son medios mm.. este....
* Y bueh, igual, siempre es tiempo de redescubrir y escuchar mas a los Rolling Stones, o Bossa Nova, darle otra oportunidad al Prog-Rock, o hacerse fan de AC/DC.

Para contrarrestar la tristeza de lo de Wieringo, el mundo es un lugar mejor desde que existe la página del Niño Rodríguez. Tiras, animaciones y dibujos con personajes como Rolo Puente y La Familia Bolchevique.
Lo mejor de todo: Visite Nuevo México, aquella extraordinaria tira que publicaba en Tres Puntos. No se si esta todo, pero lo que hay es genial. Para cuando el libro, eh eh eh eh eh?.

Arty Video Post

Window Water Baby Moving (Stan Brakhage, 1959)

Ya había hablado de este corto en este post pero nunca es demasiada insistencia cuando se trata de este clásico de Brakhage. El corto, que documenta en la forma poética de que solo Brakhage era capaz el parto de su primer hijo, es mi favorito personal del maestro del cine no-narrativo aunque comúnmente se mencione más a la saga épica de Dog Star Man.



Le Sang des Bêtes (Georges Franju, 1949)

Vi esta película por primera vez como parte de un programa de cortos en una edición del BAFICI que había ido a ver por otras piezas incluidas y sin saber de que se trataba esta. Posiblemente tampoco lo sabían todos los que estuvieron todo el tiempo dando vuelta la cara impresionados o los que se levantaron y volvieron después de que hubiera terminado. El debut cinematográfico del cofundador de la Cinémathèque Française es un documento frio y ultrarealista del final de los animales en los mataderos de París. Creo que este corto junto con la escena del matadero de En un año de 13 lunas de Fassbinder tienen la mayor responsabilidad de que yo haya dejado de comer carne.



Fireworks (Kenneth Anger, 1947)

El legendario e inmortal clásico homoerótico de Kenneth Anger, filmado cuanto tenía apenas 19 años. Este corto atrajo por igual la atención de Jean Cocteau y de la censura y se le presentaron cargos de obscenidad en contra que finalmente fueron desestimados. Aunque todo el trabajo de Anger es bueno, no creo que ningún otro de sus cortos posteriores haya vuelto a tener la intensidad de este. Fireworks está marcado a fuego en la historia del cine independiente y tiene un lugar asegurado entre las grandes obras de la historia del cine. Compruebenlo ustedes mismos.



The Private Life of a Cat (Alexander Hammid y Maya Deren, 1944)

Un encantador relato mudo de la vida de una gata, un gato y sus cinco crías, narrado y fotografiado de forma impecable y con el enorme mérito de haber logrado filmar a gatos actuando naturalmente y haciendo lo que esperaba que hagan. La película para los amantes de los gatos.



Crash! (Harley Cokliss, 1971)

Todo esto fue solo una excusa para podear postear este obscurísimo corto que levanté del genial blog Ballardian. Una pieza de ballardiana casi desconocida hasta para los fans. El corto es una adaptación del cuento "Crash!" incluido en La exhibición de atrocidades (que después sería extendido en la novela del mismo nombre) y además de reproducir muy bien el espíritu ballardiano, tiene un mérito extra que la convierte de una mera curiosidad en una joya oculta: el protagonista es el mismísimo James Graham Ballard. Los que hayan visto la Crash de David Cronenberg van a comprobar que a pesar de estar basadas en piezas diferentes, no solo el clima y el imaginario son los mismos (lo cual es lógico porque esa misma relación existe entre la novela y el cuento) sino que hasta ciertas imágenes son equivalentes y que al igual que el cuento es una versión concentrada de la novela, este corto es una versión concentrada de la película. Harold Bloom decía que la gran ventaja de Borges respecto a otros autores, incluso algunos igual o más talentosos, era que leerlo te obligaba a pensar siempre de alguna forma en la que nunca habías pensado y de la que no había marcha atrás, leerlo era volverse un poco borgiano y eso le garantizaba su lugar en la historia. Si eso es cierto para Borges, es miles de veces más cierto para Ballard y es por esa razón que entre la película y el corto se da esa relación que menciono. Para adaptar a Ballard hay que volverse ballardiano y ver el mundo a través de sus ojos, entrar al mundo ballardiano, del cual no hay salida y en el cual él está en control. No creo que estas adaptaciones sean de sus directores más que de Ballard adaptándose a sí mismo a través de los directores. Una prueba más de lo que ya todos sabíamos, que Ballard es uno de los grandes genios de nuestra era y el que mejor la describió.

Pensando en hacer un compilado con IDM y música electronica de mediados de los 90s, me baje de nuevo el Drukqs, disco doble de Aphex Twin del 2001 que habia escuchado bastante en ese año.


Richard D. James, músico electronico que saca sus discos y experimentos bajo una exagerada cantidad de sobrenombres ('aphex twin' es el más famoso) es un músico bastante complicado de definir. Logro crear alrededor de su persona un aura de misterio, una imágen de 'genio demente', a traves miles de anecdotas (desde la decena de discos que saco en todo tipo de estilos con miles de nombres, hasta enviarles a los lemonheads un tema de el al pedirle un remix de un tema, que tiene un tanque y lo conduce, hacer un tema que su sonido principal se basa en el pitido que escuchas con una sobredosis de ventolin, etc, etc, etc) y entrevistas en las cuales se dedicaba a mentir y decir todo tipo de barbaridades a diesta y siniestra.
El hecho es que el culto a su imágen funcionó muy bien, se convirtió en una figura legendaria con millones de fanáticos que afirmaban que era el nuevo Beethoven, vendiendo miles de discos, sacando discos cada vez más ridiculos hasta llegar al nivel donde, conscientemente, el podía sacar cualquier cosa, y todos sus fans se lo iban a comprar. y les iba a encantar.

Músicalmente, lo de RDJ siempre fue bastante variado. En su primera epoca fue famoso por sus discos de música ambient, que son realmente muy buenos (aunque muchas veces bastante perturbadores para alguien que espera música 'relajante'), despues su material se basaba en más que nada techno poco bailable con algunos toques experimentales, llendo al hard-techno, y hasta el noise. Durante esta epoca saco álbumes, EPs, singles, bajo una docena de nombres (Aphex Twin, AFX, Polygon Window, Caustic Window, Power-Pill, The Dice Man, etc, etc). Lentamente empezo a volverse popular y acomodarse en su particular estilo 'drill n´bass', basado en complicadas programaciones de baterias a velocidades impensables, lineas de bajo acid y melodias muy simples y melancolicas, muchas veces rondando lo infantil.

Y de ahi llegamos a este disco, Drukqs, del 2001. El anterior disco habia sido el Windowlicker EP (con ese curioso video satira del gangsta rap, y con ese tema tan malo) hace unos años y los fans estaban desesperados por nuevo material. Drukqs, como disco final para cerrar el contrato con Warp, es todo lo que los fans podian buscar y que no, un disco doble que desde su tracklisting en Cornish (idioma antiguo de Cornwall, la ciudad de donde proviene RDJ) y su nombre estúpido tiene escrito 'pretentious' por todos lados.
Este disco tiene, a grandes rasgos, 3 tipos de temas. Los primeros, son compuestos enteramente en piano, algunas con un piano preparado, muy influenciadas por Satie y por otros músicos contemporaneos, algunas muy bellas y otras bastante atonales y desagradables o simplemente aburridas. El segundo tipo de tema son bueno, classic aphex twin, temas rapidisimos con sus melodias y pads ambientales tradicionales, donde, a excepción de algunos temas donde se pone más intenso, bailable y nervioso que lo normal, no hay nada nuevo. Los terceros son una mixed-bag de temas ambientales, drones, composiciones con ruiditos, grabaciones ambientales y quien sabe que otras cosas más. El resultado, como es esperable, no funciona, queda forzado y con un aire "oh mira que loco que soy y mezclo un monton de cosas que no pegan e igual zafo".
Pero igual cuando el tipo es bueno, es bueno y no hay con que darle, y en sus estilos, y tanto en su faceta clásica electronica como en la nueva, de piano, salen cosas buenas, que se pueden ver perfectamente en las primeras tracks del disco.

Aphex Twin - Jynweythek Ylow
El disco abre con uno de los temas con piano preparado, que en si tampoco es muy diferente a lo que hacia RDJ antes, pero la melodia y armonia es muy buena (manejandose en esas melodias mayores con aspectos medios orientales, que conoce tan bien), y los elementos agregados al piano le agregan un aire etereo y como accidental que es buenísimo.

Aphex Twin - Vordhosbn
Drill n Bass melancólico y frenético en dos movimientos. En Drukqs, Aphex cierra el concepto de este pseudo-género musical que invento (junto con Tom Jenkinson AKA Squarepusher) llevandolo a su máxima expresión. Los sonidos, la manipulacion de los ritmos entrecortada, el uso inteligente de efectos como reverb, y delay que aparecen y desaparecen, los timbres en las melodias de siempre, todo eso esta, incluso la experimentacion al santo cuete (era realmente necesario el chiuuunnnggg en el minuto 1:31?). El tema que gana luego de un muy bien logrado puente, que pasa a una parte final, colgada y no tan extrema, donde la seccion melódica es es más ambient y tranquila y aunque la bateria sigue esquizofrenica como en todo el tema, el clima que se genera es diferente, como una coda reflexiva sobre la primera parte.

AÑO DE MIERDA!.
Ya estuvo bien que te lleves a Vonnegut, Fontanarrosa, Bergman, Lee Hazlewood y Tony Wilson. Pero tenia que morirse Mike Wieringo???!?!.



La puta que lo parió. Wieringo, para los que no lo conocen, era un dibujante de comics de la puta madre, uno de los tipos con mas energía, vitalidad y diversión en su trazo, un storyteller nato, un tipo que sabia como manejar a los personajes, como contar una historia, como hacer que esos dibujos parezcan nuestros mejores amigos. Un tipo que se hizo famoso dibujando algunos de los mejores números de Flash que ví en mi vida, que hacia uno de los Spider-Man mas divertidos y llenos de ALEGRÍA desde no se cuanto, que es el co-responsable (junto con Mark Waid) de la segunda mejor etapa de los Fantastic Four en su larga historia (después de la de Lee y Kirby. Byrne me puede mascar la entrepierna). Y se murió. El sábado. De un estúpido ataque al corazón. De nada lo ayudo ser vegetariano o (según lo que todos dicen) una de las personas mas buenas de la industria.

Mierda, mierda, mierda, mierda, mierda, mierda, mierda, mierda. Estoy realmente triste.

Notas Completamente Azarosas Sobre Algunas Películas

I) Ví “Blade Runner” (el corte del director) por primera vez en mi vida hace una semana. No voy a meterme a analizar demasiado la película en si (aunque, por lo que vale, puedo decir que me pareció una obra maestra) pero hay algo que atrapó mi imaginación inmediatamente: la ciudad. Además de ser una ciudad que capta el espíritu de Dick sociologicamente, con esas masas de personas que ocupan sus calles como hormigas, hablando un idioma que parece pidgin, multiétnicos y globales pero al mismo tiempo intercambiables; es, al mismo tiempo una ciudad que capta el espíritu de Dick arquitecturalmente. Una ciudad donde llueve TODO EL TIEMPO, donde los edificios se pudren en la humedad y parecen antiguas “soluciones habitacionales” de hace cuarenta años abandonadas, donde los autos vuelan pero son igual de mugrosos, donde la tecnología de la información solo sirve para transmitir avisos (es un detalle de genialidad, probablemente producto de la necesidad, que haya planos en los que se repitan los avisos de manera idéntica). Uno siente que es el producto mutante y espantoso de todas las ideas progresivas sobre urbanismo, una ciudad donde hay enormes porciones en decadencia y la gente vive en latas de sardinas, que crece hacia arriba sin pensar con que objetivo, donde el sistema cloacal esta espantosamente congestionado y las veredas son demasiado pequeñas para la masa pegajosa que camina por ellas. Por eso a la ciencia ficción se le decía “literatura de anticipación” en alguna época.



II) La visión por segunda vez de “Monkey Warfare” solo confirma todo lo bueno que pensaba de Reginald Harkema. Con una economía de recursos envidiable (75 minutos, 3 personajes, mínimos detalles de la edición y la dirección de arte que transmiten toneladas de información) cuenta una historia que es a la vez simpática comedia familiar, un comentario sobre la contracultura de los 60 (realizado por personajes que ni siquiera tuvieron nada que ver con ella) y una película stoner. Además es envidiable como lo que comienza en un territorio apto para los lugares comunes y chistes fáciles (pareja de stoners que juntan basura conocen a bella joven que les vende porro) se enriquece a medida que pasa la película con las actuaciones completamente equilibradas y la química que va llevando la película a un lugar muy diferente y mucho mas humano. Y todo ello condimentado con discusión política que en ningún momento parece forzada.



III) “25 Watts” es la película que todo joven que viva en una ciudad pequeña debería ver. No es por desmerecer a Montevideo, que es capital nacional y todo, pero los personajes, las situaciones, los diálogos y, sobre todo, el ennui, la sensación espantosa de que no pasa NADA no pudo evitar recordarme a San Miguel de Tucumán, el lugar donde vivo. Si hasta la ciudad, con sus calles llenas de pozos, sus casas de años más prósperos derruidas, su sensación de “esto en algún momento pudo ser ALGO, pero nos conformamos con una versión de feria americana del crecimiento” se siente demasiado cercana. “El progreso, pibe”, como dice el increíble jefe de Javi. Por otra parte: “25 Watts” no es una película “triste” en el sentido tradicional, ni a palos. Es maravilloso como Revella y Stoll cubren esa sensación de vació y angustia con momentos de humor geniales, con esos personajes secundarios que todos en algún momento conocimos, con esas frases pegajosas (“Marmota chicoooooooooooooo!”) que te permiten reírte de lo extraño que es ser alguien de entre 20 y 25. Te diría que es la “Clerks” rioplatense (y esto, para mi, es un elogio de los mejores).



IV) Gondry esta lleno de aire caliente. “The Science Of Sleep” es una película...simpática. Que lindo, Michel, como te gusta jugar con las imágenes, que lindo como le pones onda a ese estudio de Stéphane, que bonita esa secuencia final. Lastima que te olvidaste de contar una historia con personajes creíbles y cuyas reacciones ante el otro tengan cierta lógica. Una cosa es utilizar la timidez y pequeños detalles absurdos para construir un personaje cuya dificultad para relacionarse con los demás lo ha llevado casi al aislamiento (ver “The 40 Year Old Virgin”), otra es generar personajes que se comportan como idiotas que no entienden que es lo que pasa en el mundo que los rodea, JAMAS. Y como es una película que depende tanto de la química particular entre sus protagonistas (es una historia de amor, al fin y al cabo) cuando esta falla y no nos creemos lo que sienten por el otro, el hermoso castillo de cartas de Gondry se derrumba, a pesar de que esta hecho con cartas, De Verdad!, y mide 100 metros!, con dragones de papel saliendo por las ventanitas!. Y un foso relleno de gelatina.



V) “Music And Lyrics” seria una película intrascendente, otra comedia romántica mas, de no ser por tres cosas: la primera, lo placentero que es ver a actores con indudable encanto actuar un guión y entregar unos diálogos que están repletos de buenos momentos, amplificados por la facilidad con que Hugh Grant y Drew Barrymore encarnan sus personajes y los vuelven completamente queribles. Es una comedia como las que hacia Hollywood hace mucho tiempo y en las que actuaba el homónimo de Hugh. Lo segundo es la banda sonora: no todas las canciones funcionan (ciertamente el tema sobre el que depende toda la historia no es TAN bueno, pero quizás eso también sea parte de la idea) pero el tema de PoP! es tremendamente pegajoso y algunas de las canciones de Cora son fascinantes como parodias de música pop actual. En tercer lugar, la tesis de la película, que básicamente es la siguiente: hay placer, trabajo, corazón y, si, incluso arte en la música pop y no deberíamos sentirnos avergonzados por ello. Una película anti-rockista. Poptimista.

Knytt es un interesantísimo juego de plataformas que es, probablemente a esta altura, el único juego que se puede aproximar al equivalente a la música Ambient en un videojuego. Knytt es un simplisimo side-scroller de plataformas, donde practicamente no hay enemigos, solo pantallas y pantallas de un planeta extraño y bello, que hay que explorar para juntar las partes de tu nave rota para regresar a casa. La música - ocasional, que aparece solo brevement en el algunas pantallas clave - es excelente y el clima que se genera jugando al juego es extraño e indescriptible. Una especie de videojuego/experiencia. Pueden bajarlo gratis del site del autor aquí.

Falleció Tony Wilson.

Mañana pasaran el siguiente programa en varios radios comunitarias locales de Montevideo. Para los lectores no-montevideanos (y no-uruguayos), pueden escucharla Online en www.lateja.com.uy. Va a haber mucha información muy interesante de muchas bandas de aquí, el programa durara 3 horas, y esta muy recomendado.

RADIOUNDER
Sáb 11 de agosto / 14:00HS / 103.3 El Puente
Transmisión por internet: http://www.lateja.org.uy

Encuentro Regional de Arte (ERA 2007/2008).
Programa en donde se hablará, se entrevistará y se pasará música de algunas
bandas under de trayectoria y emergentes:

- Chicos Eléctricos
- Motosierra
- Hablan por la espalda
- Fumanchu
- Psiconautas
- Carmen Sandiego

Tocan en vivo:
- 3Pecados
- Uoh!

también vamos a pasar musica de:
Guachass, Santacruz, Tourette, Buenos Muchachos, Supersónicos,
Relacionessexuales, Cadáver Exquisito, 8, IMAO, Fiesta Animal, Culpables,
Halo, Amelia, Retrocedonia, La Hermana Menor, Alergia, Danteinferno,
Corvette, Estado de fetidez y más...

I Don't Need You To Hold My Hand

Este fantástico artículo sobre “All My Friends” de LCD Soundsystem me puso a pensar mucho sobre el que quizás sea el disco que mas voy escuchando en lo que va del año (junto con el de Spoon) y un firme contendiente a disco del 2007: el segundo lp de Whitey, “Great Shakes”.



Whitey es un ingles que, cuando apareció en escena hace dos años con “The Light At The End Of The Tunnel Is A Train”, parecía que se iba a convertir en la respuesta de las islas a LCD Soundsystem y la corriente de “música electrónica para que bailen los chicos indie”. Un solo tipo, que construye su personalidad alrededor de su misantropía y de una arrogancia desafiante, que encima tenia algunos hits (como “Leave Them All Behind”) construidos con mucha mas fineza, estilo y oscuridad que la mayoría de sus contemporáneos. Canciones sobre las que continuamente caía un manto negro que parece de película muda. Y que encima se daba el lujo de cerrar el disco con un tema que parecía una canción isleña para escuchar en el futuro, al mismo tiempo que el sol se apaga lentamente.
Sin embargo, y a pesar de haber disfrutado tanto de su primer disco, no esperaba de ninguna manera el crecimiento que demuestra en “Great Shakes”. En una evolución paralela pero con diferencias a la de LCD Soundsystem, este segundo disco es un intento de escribir canciones con las cuales uno pueda angustiarse en la pista de baile. O que al menos intenten ser reflexivas. La diferencia radica en que mientras James Murphy pareciera ser un tipo con crisis de los 40, preocupado por su éxito y la falta de amistad (es “Sound Of Silver” el equivalente a esos discos donde los raperos se quejan de su fama?) y todavía demasiado cargado con su autoconciencia como para que le creamos del todo, Whitey parece un animal enjaulado atacando a todos los que se acercan e intentando masticar su propia pierna para huir de ahí. Todo el disco esta recubierto de una amargura vengativa deliciosa, de un odio completo, que abarca al mismo artista y al mundo que lo rodea.
Seguro, todo parece muy arrogante y seguro de si mismo a primera vista, con su myspace cuyo slogan es “There’s only one thing to do: get even”, el estribillo de su primer single, “Wrap It Up”. Pero en el fondo son todo humo y espejos para esconder un profundo sentimiento de derrota, de oscurísimo cinismo. Es el producto de un cabeza dura intentando tener las cosas a su manera y arruinando todo mas con su estúpido orgullo. Todo esta plagado de frases del estilo de “I don’t care what we talk about / I don’t listen to no-one else” o “And when I go out / I sit on my own”. La conclusión lógica de la misantropía es la soledad y a ese lugar parece haber llegado Whitey.
Y, de ese modo, es muy apropiado que el disco sea un producto originalísimo, una especie de mezcla entre elementos clásicos, guitarras acústicas, baterías tocadas con escobillas, violines, contrabajos, pianos y elementos electrónicos, voces distorsionadas, ruidos de fondo, sampleos empleados como parte de un collage, que se completa con la voz hermosamente desganada de Whitey, entre cansada y despreciativa. Y el resultado es un disco que suena como un mundo: clásico y moderno, ganchero y reflexivo, engañoso, insolente e inseguro, idiosincrásico. El producto de un cabeza dura intentando tenerla a su manera.

Whitey – Cigarette
Quería escribir sobre otra canción, ya que esta es una de las que salta a primera vista, uno de los posibles hits y me parecía que era mas interesante resaltar alguna de las perlas ocultas, pero es inescapable, no puedo ignorar una canción que tiene la frase: “Please save me from myself and rescue me from everyone I know”. No es tanto la frase en si, sino la manera en que esta cantada, repetida, mecánicamente, como una persona en el borde de la desesperación, a punto de llorar. Y que luego la continué con una frase como “Don’t forget that I need you around / like I need another cigarette” sin explicitar nunca si eso es bueno o malo, es absolutamente genial.
¿La música? Bueno, como dije arriba, es un hit, un “propeller”, una de esas canciones que por su progresión dan la sensación de ir siempre hacia delante cargándose obstáculos. Baterías repetitivas como motores, palmas colocadas estratégicamente, sintetizadores que resaltan la paranoia y guitarras tan saltarinas que darían vergüenza a cualquier grupito que sale en la tapa de la NME.

Whitey – G.I.R.L.
Esta, por su lado, es una de esas canciones que descubrís cuando te sumergís en el disco, cuando te obsesionan esos beats que al principio parecen puro aburrimiento y monotonía. Una de las canciones que mejor encapsulan el sentimiento de paranoia, soledad y aislamiento del disco. Al escuchar las bases opresivas y las guitarras que parecen trabadas en un loop eterno me imagino a Max Renn de Videodrome, encerrado en su pieza, pero en vez de ver películas snuff, esta frente a una pantallita en la que se reproduce código binario.

Hybrid es por un lado un juego de rol genérico y por otro lado la cosa más rara e inexplicable que apareció en internet después de Timecube. El juego está creado por un anónimo conocido como Matthew/C++ y tiene 552 reglas hasta la próxima vez que a su creador se le ocurra agregarle otra más. El sistema de reglas pretende comprender absolutamente todas las posibilidades del mundo real, principalmente a través de complejas operaciones matemáticas.

Obviamente todo esto convierte al juego en completamente injugable. Aprender a usar bien una sola regla de este juego es más difícil que aprender a jugar otros juegos enteros. No creo que exista siquiera alguien dispuesto a tomarse la molestía de leer toda esa maraña ininteligible. Alguien por ahí lo definió como "tan jugable como la ruleta rusa después que perdiste la primera vez".

Al igual que Timecube, nadie sabe si tomárselo en serio o no. Podría ser la obra de un esquizofrénico o de alguien que cree haber encontrado una "teoría del todo" y la está explicando de esta forma o simplemente un fraude, un gran chiste desproporcionado y Matthew/C++ escribió todo eso tongue-in-cheek. Ninguna de esas posibilidades hacen al artefacto menos fascinante. Ya ha habido casos de juegos de rol injugables y que parecían escritos o en broma o por esquizofrénicos (como el legendario F.A.T.A.L.) y de delirios inclasificables en internet (el ya mencionado Timecube), pero este es aún mejor, este combina lo peor (o lo mejor) de cada uno. Pretende explicar todo el universo en un conjunto virtualmente infinito de reglas y además pretende que eso sea un juego de rol superior y jugable.

Me encanta la casi borgeana idea de un tipo que invierta toda su vida en expresar reglas para todo lo posible, y que como el conjunto de cosas a explicar es infinito, el conjunto de reglas también debería serlo y tomaría una cantidad de tiempo infinito llevar a cabo dicha tarea. El juego al que se aspira como resultado sería una explicación del universo en su totalidad, un mapa de la mente de Dios, y jugarlo sería ser un Demiurgo uno mismo. Igualmente fascinante es la idea de que aún si lograrlo fuera posible y este tal Matthew lo lograra igual nadie se tomaría el trabajo de leerlo. El secreto del universo podría estar ahora mismo en esa página que nadie se enteraría. Me imagino en un futuro lejano en el que el ciberespacio sea tan grande y antiguo que ciberarqueólogos encuentren esto y les resulte un misterio parecido al manuscrito Voynich. Eso duraría, claro, hasta que lo busquen en wikipedia, que para esa altura sí va a contener todo el conocimiento universal (o sea, va a ser apenas un poquito más grande que ahora). Cuanto menos divertido sería todo sin trastornados que hicieran cosas como esta. Thank God for mental illness.

Descubrimiento nerd-ñoño del día

1- vayan a http://www.google.com/ig
2- elijan 'seleccionar tema'
3- elijan 'salón de té'
4- prueben cambiar de uso horario (eligiendo otro pais) y vean como la imagen se re-construye para mostrar la hora que es.
5- digan 'awwwww!!'
6- prueben lo mismo con otros temas :P

Falleció Lee Hazlewood.

Kiko Veneno - La Casa Cuartel

Es muy fácil nombrar a este tema como el mejor de 'Esta muy bien eso del cariño', probablemente el mejor disco de Kiko. El tema más tranquilo y sencillo del disco, mínima percusión, acordes arpegiados y algunas cuerdas que le hacen bien sin endulzarlo de más.
La letra, eso si, es una muy simple historia de amor, que no pasaría de lo normal si no fuese el contexto y los protagonistas: Militar y su pareja en un cuartel, en un periodo que parece ser el franquista.

"Tiene dos entradas
para el estreno esta noche en el teatro nacional
ponen una obra
una que a Federico no le dejaron estrenar
ve tú que puedes
no te pierdas la oportunidad
yo tengo guardia esta noche
deja los niños con tu mamá.."

Este verso (y el siguiente) ilustran la escena de una forma muy clara, y además reflejan un tipo de relación, un amor, no tan usual en canciones de amor, el amor ya consumado y por adición, de pareja casada y con hijos, una relación mantenida en la situación de cautiverio de los protagonistas. El último verso, muy raro, es una serie de imagenes que forman una postal, de una playa, muy compleja y muy bella que - aunque todavía no la puedo entender del toda, y en realidad no creo que tenga del todo mucho sentido, y es seguramente un acertado contraste con los otros versos - es excelente. Pero es en el estribillo, con esa frase sencilla y perfecta, esa imagen de "cogerla de la mano y salir corriendo" que se cierra todo el tema.

Kiko Veneno - Los Delincuentes

Yéndose para el oooootro lado del espectro kikense, este tema es del GENIAL primer disco de Kiko, 'Veneno' que más bien es un disco de su banda, no de él. Elegí 'los delincuentes' quizás por su clima tan particular, que no me recuerda a casi nada mas que haya escuchado, que te dan ganas ir yendo en un auto destartalado y mugriento, drogado hasta las patas, por pueblitos ibéricos persiguiendo minitas con una pandilla de energumenos desastrosos. Durante la duración del tema, uno es transportado ahí, a pura lisergía y joda demencial. Al igual que la otra canción, acá también kiko demuestra una brillante habilidad para armar estribillos "me quiero asegurar / que mi sombrero esta bien roto / y los rayos pueden entrar en mi cabeza / te quiero conquistar / con el suave viento / gratis y fresco / de mi abanico de cristal"

Dos douchebags probando el amplificador Roland JC-120. Con uds, el video del día. No importa si no tocan la guitarra ni le interesan los amplificadores,la cantidad increible de asquerosas guitar-faces que hace el rubio de la izquierda es algo demasiado increíble para perderse.

sopwith camel

my dog is at it
again
I hear my neighbors
slam their windows
up

“shut that fucking dog up,”
they yell
every night it’s the
same

“shut that fucking dog up.”

it’s not his fault that he wants to dance
on top of a
piano

it’s not his fault that he pretends his doghouse
is a sopwith
camel

it’s not his fault that he spends many nights
pounding mad
on the typer

“shut that fucking dog up,”
they holler

it’s not his fault
he’s just a dog

Peanuts, por Charles Bukowski (via)

Los "Books Of Nonsense" de Edward Lear, completos y (Dios bendiga a la internet!) con sus ilustraciones originales. Como dijo mi padre el otro dia: "Ese hombre estaba a la altura de Lewis Carroll".

+"London Calling" reescrito como una serie de limericks. Fabuloso. (via)

Elton John pide cerrar la Internet.
"El cantante británico acusa a la Web de destruir la industria musical y las relaciones interpersonales. "Salgamos a las calles, marchemos y hagamos protestas, en lugar de sentarnos en casa y meternos en los blogs", dijo. Llamó a suspender el servicio durante cinco años."
Fantástico.
Y de regalo (y para contrastar un poco esa nota), el video de uno de los temas más lindos de Elton.

Maywa Denki es una compañía/proyecto artístico japonesa dedicada a inventar y producir delirantes objetos electromecánicos entre los que se cuenta geniales juguetes, dispositivos simplemente inclasificables y originalísimos instrumentos musicales con los que también se dedican a hacer performances. Acá hay un par de videos de demostración de esos instrumentos y otro par con ellos tocándolos. Estoy seguro que los de Devo hubieran matado por tener instrumentos como esos.









(via)